Lobezno… Inmortal

Hola amantes de lo friki soy Gri “yo” González y esto es Cine

El cine se basa en la fotografía un arte que data de hace casi 200 años

Hay muchos géneros de cine pero nosotros nos vamos a centrar en el área del cine de aventuras.

Uno de los rumores más comentados de los que circulan por Internet estos días señala que 20th Century Fox ha ofrecido 100 millones de dólares a Hugh Jackman para que siga interpretando a Logan/Lobezno en cuatro películas más. Al margen de la cifra —una barbaridad, a menos que la comparemos con los 50 millones que cobró Robert Downey Jr. por ser Iron Man en ‘Los Vengadores’ (‘The Avengers’, Joss Whedon, 2012)—, lo más llamativo es que el actor australiano pueda seguir vinculado al superhéroe en los próximos años, cuando ya lo ha encarnado en seis ocasiones y el año que viene lo tendremos otra vez en cartelera con ‘X-Men: Días del futuro pasado’ (‘X-Men: Days of Future Past’, Bryan Singer, 2014).

Si la oferta es auténtica y él acaba aceptando, dará vida al personaje en 11 largometrajes. Más que ‘Lobezno inmortal’ (‘The Wolverine’, James Mangold, 2013), quizá habría que empezar a hablar de ‘Lobezno cansino’… Lo cierto es que su última aventura es la producción menos rentable de las que se han estrenado hasta la fecha relacionadas con la franquicia X-Men. Y sí, Jackman es un tipo extremadamente carismático que lo ha dado todo por el papel —aunque habría que preguntarse si era necesario lucir tanto músculo…—, pero con el tiempo es inevitable repetirse y acabar agotando posibilidades. Uno de sus últimos cartuchos y la mejor opción en estos momentos era adaptar el cómic ‘Lobezno: Honor’, en el que Logan es introducido en la cultura japonesa.

Los guionistas Mark Bomback, Scott Frank y Christopher McQuarrie —autor del primer borrador, no aparece acreditado— se han ocupado de adaptar a la gran pantalla la célebre obra escrita por Chris Claremont e ilustrada por Frank Miller, concebida para renovar al popular mutante. Evidentemente, ‘Lobezno inmortal’ no tiene el mismo objetivo, no obstante, ofrece la oportunidad de ver a Logan en situaciones inéditas y en cierto modo permite darle un nuevo enfoque, dar pie a otra fase en su ya larga etapa como héroe cinematográfico; de hecho, la última escena —y no me refiero al teaser que hay en los créditos— parece dar la bienvenida a una peculiar alianza destinada a resolver conflictos alrededor del mundo. Podría ser una salida, si deciden continuar con Jackman.

Tras pasar por las manos de Singer, Brett Ratner y Gavin Hood —Matthew Vaughn apenas lo tuvo a sus órdenes unas horas—, el Lobezno de Mangold comienza siendo un héroe sin propósito, un hombre traumatizado por el desenlace de Jean Grey (Famke Janssen) que ha decidido apartarse del mundo y vivir solo, en compañía de animales. Se le compara primero con un oso (grizzly) y después con una bestia invencible y protectora. Este salvaje encontrará una misión cuando alguien de su pasado, un joven soldado al que salvó la vida, reaparece décadas después con una sorprendente propuesta: liberar a Lobezno de la carga de la inmortalidad. El mutante es lo suficientemente educado como para no escupir al anciano en la cara pero poco le falta. Sin embargo, pronto descubre que todo es más complicado de lo que parece y un retorcido plan se ha puesto en marcha…

Ya que está en Japón, los guionistas tienen la disparatada idea de enfrentar a Lobezno contra samuráis, yakuzas, ninjas y hasta un robot gigante. El menú completo. Además, la inevitable villana sexy (Svetlana Khodchenkova) que nada más verla ya sabes que trama algo malvado —extrañamente, el héroe tarda bastante en descubrirlo—. Y para rematar, el mutante —en su versión más eastwoodiana posible— debe resolver un singular triángulo amoroso entre la hija de su “viejo amigo” (Tao Okamoto) y el recuerdo de Jean, que lo visita en sueños. La necesidad de convertir ‘Lobezno inmortal’ en un gran espectáculo lleva a encadenar largas secuencias de acción que aun estando filmadas con habilidad, pulso y nervio, resultan algo repetitivas y en ciertos momentos pueden marear.

En cualquier caso, lo más flojo es el tramo del enamoramiento. La película se estanca, no sabe generar interés, es todo fórmula y tópico, lo justo para volver a poner a la dama en peligro y plantear el heroico rescate a la desesperada. Ahí vuelve la emoción a pesar de que hay un importante problema: el mutante es invencible y nunca sientes verdaderas las amenazas, son como un farol mal ejecutado. Este hándicap lo compensa Mangold dotando a la narración de intriga, tensión, chispazos de humor, imágenes impactantes —la secuencia de la bomba atómica—, peleas contundentes y un impecable acabado visual. Sobra seriedad y falta espítitu lúdico pero en general es un disfrutable entretenimiento que mejora con creces el desastre del anterior spin-off, ‘X-Men orígenes: Lobezno’.

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‘Big Fish’, destilando a Burton

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Antes de que el cine fijara sus miras en él, ‘Big Fish’ había comenzado siendo la primera novela de Daniel Wallace, una colección de pequeños relatos en inconexa sucesión que, recogiendo en muchas ocasiones la tradición de las tall tales del sur de Estados Unidos, tenían como eje común al personaje de Edward Bloom, un cuentacuentos que ha pasado toda su vida rehaciendo a su antojo los acontecimientos que han ido jalonando su existencia, transformándolos de meros hechos sin importancia en auténticas aventuras en las que, cómo no, el siempre es el héroe.

Unos seis meses antes de que fuera publicada en 1998, John August, futuro guionista del filme, había tenido acceso al manuscrito de esa “novela de dimensiones míticas” que estaba a punto de ver la luz e, impulsado por casi las mismas circunstancias en las que más tarde se encontraría Burton, logró convencer a los ejecutivos de la Columbia para que se hicieran con los derechos del libro. Convirtiendo la inconexa estructura de la novela en un guión cohesivo que dotaba a la historia de un objetivo y le imprimía progresión, Wallace y los productores del filme comenzaron a considerar cuál sería el director idóneo para llevar a cabo la empresa de rodar tan extraño material, y un único nombre fue puesto sobre la mesa, el de Steven Spielberg.

Inicialmente prevista para ser co-financiada por Dreamworks, el cineasta iba en principio a hacerse cargo del rodaje una vez hubiera terminado con ‘Minority Report’ (id, 2002), y se empeñó en que Jack Nicholson era el actor apropiado para encarnar al Edward Bloom que terminaría interpretando Albert Finney, obligando dicha decisión a August a reescribir partes del libreto para así dotar de más protagonismo al personaje. Distraido en última instancia con ‘Atrápame si puedes’ (‘Catch Me if You Can’, 2002), Spielberg y Dreamworks terminarían abandonando ‘Big Fish’, momento que August aprovechó para volver a una versión del guión con la que estaba más satisfecho de forma que, cuando se la presentaron a Tim Burton, “la historia estaba en mejor forma de lo que nunca había llegado a estar”. ‘Big Fish’ es, hasta donde recuerdo de las opiniones que he ido recabando a lo largo de los años, una cinta que nunca ha admitido medias tintas: o la amas profundamente, te dejas atrapar por su arrebatadora magia y la guardas en un pequeño rincón de tu corazón como una de esas lecciones vitales que nunca se deben olvidar; o la odias con todo tu ser, rechazando de pleno lo absurdo de su narrativa y episódico de su metraje, lo irregular de su ritmo, el lastre que suponen tantos y tan mal aprovechados secundarios —y algún actor principal— y, por supuesto, la simpleza de su mensaje final.

Y por si acaso no he dejado ya diseminadas suficientes pistas acerca de en cuál de las dos posiciones sitúo mi opinión acerca de la cinta de Burton, quede ya afirmado sin atisbo de duda que abrazo con fuerza el primer grupo y considero que ‘Big Fish’ es, junto a ‘Eduardo Manostijeras’, lo mejor que nos ha dejado Tim Burton en su ecléctico devenir por el séptimo arte aunque ello no implique, ni mucho menos, que no sea capaz de aceptar las imperfecciones del filme, sobre todo aquellas que se le han achacado una y otra vez acerca de los muchos altibajos que atesora su narración.

Derivados de los saltos entre pasado y presente mediante los cuales queda estructurado el filme, es cierto que, en alguna de las ocasiones en las que la trama abandona el fascinante y colorido relato de la vida de Edward Bloom para centrarse en su objetivo primario, la historia de reconciliación entre padre e hijo, la cinta pierde en intensidad sobre todo por la carencia de una figura con la personalidad suficiente como para tirar del carro de igual manera que lo hace, de forma sobresaliente, un esplendoroso Ewan McGregor que en no pocas ocasiones recuerda en cierto modo la luz que desprendía James Stewart.

De hecho, encuentro aún más reprochable la decisión de Burton de hacer descansar el peso de la vertiente más dramática de la cinta en las incapaces manos de Billy Cudrup que echarle en cara a August la innecesariedad de estas determinantes secuencias en las que contamos con esos dos monstruos de la pantalla que son Albert Finney y Jessica Lange para compensar aquello que el hijo en la ficción de ambos es incapaz de aportar.

Tanto es así, que uno de los tres mejores momentos que tiene la cinta, y sin duda alguna el más emotivo junto a ese magnífico “Grand Finale” al que pone alma la partitura de un inspirado Danny Elfman, se lo debemos a la capacidad de los veteranos intérpretes de expresar sentimientos sin mediar palabra y a la extraña sobriedad que detenta la realización de Tim Burton cuando, mediante una meticulosa y minimalista planificación, concreta la secuencia de la bañera, una de las más bellas y cargada de significado —el director acababa de perder a su padre poco antes de comenzar el rodaje— que el cineasta ha rodado en cualquiera de sus producciones.

Junto a ellas, y completando esa terna a la que hacía referencia, hay que traer a colación el momento en que Edward Bloom ve por primera vez el bello rostro de aquella que habrá de convertirse en su esposa, una joven Sandra a la que pone etéreo rostro Alison Lohman imitando, sin caer en la caricatura, los característicos gestos de su contrapartida más adulta: congelando el tiempo —una secuencia que, como el resto del filme, echó más mano de la imaginación que de los efectos digitales— Burton consigue otro instante mágico de esos que una vez visto no se olvidan, poniendo en imágenes esa percepción imposible de explicar que el arrebato del amor provoca en el enamorado.

Lo variado del relato ideado por Wallace y adaptado por August, permite a Burton plantear una recorrido histórico por el pasado reciente de su país pero, a diferencia de como lo hiciera Robert Zemeckis en ‘Forrest Gump’(id, 1994), el suyo está tan tamizado y personalizado —curioso es el juego de “autohomenajes” que el director va introduciendo a anteriores filmes suyos— que hay que ir leyendo entre líneas para ir adivinando a qué época corresponden los diferentes acontecimientos por los que transita la vida de Edward, quedando todo plenamente justificado desde el momento en que debe tenerse claro que todo lo que vemos en cuanto a lo que al personaje le sucede en el pasado, está vislumbrado a través de la óptica de cuento en la que queda impregnado todo el tono del filme.

Y como cuento, ‘Big Fish’ funciona a la perfección, no siendo necesario buscar más sentido a las fantasías del sr. Bloom que la pequeña enseñanza que se deriva de cualquiera de las narraciones con las que nuestros padres trataban de hacer que cayéramos en brazos de Morfeo cuando éramos unos enanos. Y si ya la frase inicial que se pone en boca del personaje de Cudrup deja claro que es lo que vamos a ver —esa que reza que “a la hora de contar la historia de la vida de mi padre es imposible separar los hechos de la ficción, el hombre del mito“—, el bellísimo discurso final en off de ese hijo que termina comprendiendo que la fantasía en esta vida es a veces tanto o más necesaria que la realidad.

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Las premisas insostenibles de Damond, Elysium

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Sobre el papel, ‘Elysium’ (id, Neill Blomkamp, 2013) era una de las apuestas más sólidas de este verano que, si algo está sirviendo para demostrar, es que las fórmulas de los blockbusters muestran inequívocos signos de cansancio a los que nadie parece querer poner remedio. Sintómaticos han resultado los estrepitosos fracasos en Estados Unidos de mega-producciones como ‘Pacific Rim’ (id, Guillermo del Toro, 2013) o ‘El llanero solitario’ (‘The Lone Ranger’, Gore Verbinski, 2013), costosos filmes que se vieron superados en sus respectivos fines de semana por el efecto secuela de estupideces como ‘Niños grandes 2’ (‘Grown Ups 2’, Dennis Dugan, 2013) o los inofensivos minions de ‘Gru, mi villano favorito 2’ (‘Despicable Me 2’, Pierre Coffin, Chris Renaud, 2013).

Y aunque aún sea pronto para poder arrojar luz sobre el buen funcionamiento del nuevo filme de Neill Blomkamp, me atrevería a apuntar que el hecho de que ‘Somos los Millers’ (‘We’re the Millers’, Rawson Marshall Thurber, 2013) —a priori, otra de esas comedias de las que se producen como churros al otro lado del charco…a priori, cuidado— haya recaudado ya 51 millones de dólares cuando ‘Elysium’ sólo ha recabado 42 en la taquilla estadounidense parece indicar que esta producción de ciencia-ficción no va a ser el éxito que se le preveía antes de su estreno, máxime cuando ya hay previsiones que la hacen descender más de un 50% en taquilla de cara a este fin de semana.

(ATENCIÓN, SPOILERS) Y si he querido empezar así la crítica de ‘Elysium’ ha sido para evitar incluir antes del salto el que habría utilizado como indudable arranque de no ser por mi firme voluntad de que algún despistadillo pudiera destriparse lo que considero, por encima de otras apreciaciones que desgranaré a continuación, el peor error que comete la presente producción. Un error que, a la postre, termina jugando en contra de un filme cuyo guión no hace más que abundar una y otra vez en lo erróneo de su planteamiento inicial. Y es que ‘Elysium’ pertenece a ese grupo de películas que, apilando cuantos más deus ex machina mejor, se desmotan en cuanto reducimos al absurdo el McGuffin que mueve toda la acción.

Estamos a mediados del siglo XXII, la Tierra está superpoblada y se ha convertido en un entorno hostil para el grueso de la raza humana, ya que la élite vive en Elysium, una impresionante estación espacial en órbita geo-sincrónica a la que todo terráqueo sueña con ir ya que, entre sus muchas ventajas, cuenta con unas plataformas médicas presentes en todos los hogares capaces de curar en segundos cualquier enfermedad. La existencia de estas plataformas provoca que desde la superficie del planeta se lancen naves-patera con inmigrantes ilegales hacia un lugar que, oh sorpresa, con toda su tecnología punta, carece de unas meras baterías antiaéreas para protegerse de la constante “amenaza” que supone la llegada de estos indeseables teniendo que recurrir a un agente llamado Kruger que, desde Los Ángeles, lance unos misiles al espacio exterior que destruyan los vehículos.

Por muy absurdo que pueda sonar, esto último se ve superado con creces desde el momento en que uno se plantea la siguiente pregunta: si aquellos que aún habitan el planeta quieren ir a Elysium a curarse, ¿porque no habilitar en cada hospital de las grandes ciudades una planta con las citadas plataformas médicas? Aquí podrían argumentarse factores como el alto coste de esa tecnología o el hecho de que, si se compartiera, la idiosincrasia de la estación Elysium perdería su razón de ser. Argumentos ambos muy válidos de no ser porque el desarrollo de la historia se encarga de destruirlos, y a conciencia, tanto por el hecho de que, repito, toda vivienda cuente con una de estas plataformas como porque, llegado el final, contemplamos atónitos como existen naves médicas repletas de los avanzados “cacharros”.

Dudando que fuera tan sólo una percepción personal, el hecho de que mis compañeros de visionado la corroboraran a la finalización de la proyección, no hizo más que acrecentar mi indignación ante la pérdida de tiempo que había supuesto la cinta, sacando a la luz al tiempo otras indiscutibles flaquezas enmarcadas, como decía más arriba, en los constantes “por que si no pasa no hay más película” en los que se apoya el avance de la trama. Y aquí encontramos de todo un poco. Pasando por alto el que la capacidad de la cinta de sorprender sea nula —en los primeros minutos uno intuye con claridad cómo va a terminar la función—, hechos como que el sistema sanitario esté al borde del colapso pero el educativo produzca genios capaces de ver un código informático y saber de forma instantánea que está contemplando —algo que personalmente me chirrió lo indecible— no hacen sino abundar en las pésimas sensaciones con las que uno abandona la sala.

A debilidades como la citada, se suman otras muchas como el forzado carácter mesiánico del personaje interpretado con extrema desidia por Matt Damon; la inane historia de amor metida con calzador; esa acartonada villana sin escrúpulos que encarna con intensidad pero sin capacidad de convicción Jodie Foster o, en el terreno meramente artístico, la arquetípica banda sonora, cuyas incuestionables herencias “zimmerianas” nos retrotraigan una y otra vez al universo de cierto hombre murciélago.

Ante todo lo anteriormente expuesto, poco pueden hacer para levantar el filme algunas de las fortalezas de la producción, ya vengan estas de mano de unos diseños asombrosos y de unos efectos visuales que, una vez más, hacen de la suciedad la mejor manera de parecer verosímiles; de un irreconocible Sharlto Copley que es el único que parece divertirse con el desaguisado, construyendo un villano de indudable carisma; de aquellos momentos en los que la dirección de Blomkamp se esfuerza por encontrar fórmulas que sorprendan al espectador o en última instancia de que, inicialmente, la cinta quiera funcionar como siempre lo han hecho los grandes títulos del género, tratando de posicionarse sin conseguirlo como un vehículo de crítica social hacia la realidad del momento.

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Tras el Corazón Verde

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La sombra de Indiana, es alargada. Soy plenamente consciente de que empezar con una afirmación tan obvia es algo que podría haber evitado de habérmelo propuesto, pero allá va: en una década en la que el “clonado” de éxitos de taquilla estuvo al orden del día, no fue de extrañar que aquella idea que se les había ocurrido a Steven Spielberg y George Lucas a finales de los setenta mientras hacían castillos en la arena de las playas de Hawai, y que se había terminado materializando en la magistral ‘En busca del arca perdida’ (‘Raiders of the Lost Ark’, 1981) —para el que esto suscribe, la mejor cinta de la trilogía; sí, de la trilogía, no hace falta decir más—, fuera copiada hasta la saciedad en los años inmediatamente posteriores a su estreno por títulos todos que no han perdurado más allá de su mero carácter de descarada copia.

Es por este motivo que hay que valorar en su justa medida el tercer largometraje que se ponía en manos de Robert Zemeckis como uno de los pocos “clones de combate” de Indiana Jones que supo hacer algo diferente, adhiriéndose al género de aventuras y acción que de forma tan excelsa había resucitado Spielberg pero sin que pareciera, al menos no de forma descarada, que habían cambiado al héroe del látigo y el Fedora por uno de otro nombre pretendiendo hacer creer al público que estaban viendo una película diferente. ‘Tras el corazón verde’ (‘Romancing the Stone’, 1984) lo es —diferente, quiero decir— aunque ello no implique que todo en esta alocada y aventurera comedia sea digno de elogio.

A la finalización del rodaje de ‘Frenos rotos, coches locos’ (‘Used Cars’, 1980), el primer movimiento de Zemeckis y Bob Gale fue la escritura y búsqueda de financiación para ‘Regreso al futuro’ (‘Back to the Future’, 1985), una historia que ambos artistas pretendían vender a la Universal pero que no lograron colocarle a la major por meras cuestiones de experiencia: los ejecutivos de la productora consideraban que un filme de la entidad del que terminarían llevando a cabo cinco años más tarde todavía estaba fuera del alcance del norteamericano y este se vió de repente sin ningún proyecto entre manos que poder firmar.

Y así pasarían tres años en blanco hasta que en 1983 Fox confiara inicialmente en el para poner en pie ‘Cocoon’ (id, Ron Howard, 1985) un filme de entidad que podría haber supuesto el salto definitivo en la trayectoria del realizador de no haber sido porque un tal Michael Douglas se empeñó en que fuera él quien se colocara al frente de una producción de acción y aventuras de ritmo frenético que estaba tratando de levantar como productor y protagonista. Alguien en Hollywood le había hablado de Zemeckis, de sus dos filmes anteriores y del hecho de que habían sido respaldados por Spielberg, motivo éste último más que suficiente para que Douglas se pusiera en contacto con el realizador y lo convenciera para dirigir una cinta en la que la 20th Century Fox invertiría unos 10 millones de dólares y para la que el “hijo de Espartaco” se empeñaría en contar con Kathleen Turner como co-protagonista.

Ambos intérpretes, junto a Danny DeVito, le deben muchísimo a ‘Tras el corazón verde’, ya que fue la cinta la que encarriló unas carreras que casi acababan de comenzar. Douglas no había tenido la oportunidad de demostrar que podía salir de la alargada sombra de su progenitor más que en algún momento puntual de ‘El síndrome de China’ (‘The China Syndrome’, James Bridges, 1978), donde quedaba relegado a un segundo plano cada vez que aparecía junto a Jack Lemmon o Jane Fonda. Con su explosivo papel en ‘Fuego en el cuerpo’ (‘Body Heat’, Lawrence Kasdan, 1981), Turner conseguía el reconocimiento de los BAFTA y el Globo de Oro, pero estaba a la espera de un filme que le permitiera interpretar más allá de las esbelteces de su anatomía. En lo que a De Vito respecta, este iba a ser su primer rol de relevancia tras muchos papeles secundarios y el responsable de cimentar todo lo que haría después.

Y ya que estamos con primeras oportunidades, ‘Tras el corazón verde’ será el punto de partida de una relación que se ha perpetuado hasta nuestros días y que nos ha dejado a los amantes de la música de cina inolvidables momentos. Hablo, cómo no, de la que Robert Zemeckis ha mantenido desde el filme con el compositor Alan Silvestri, único músico que ha puesto sonoridades a la trayectoria cinematográfica del realizador desde 1984 y que aquí, aún bastante bisoño, escribe un score animado y con orquestaciones muy exóticas que, no obstante, carece de la relevancia temática que sí tendrán posteriores trabajos junto al cineasta.

Cine de aventuras sin mayor pretensión que la de divertir, entretener y hacer reír —sin caer casi nunca en el tipo de comedia facilona que eran sus dos filmes anteriores— ‘Tras el corazón verde’ permite a Zemeckis volver a dar una lección de temprana autoridad en lo que a sus modos narrativos se refiere, jugando el director de forma brillante con el ritmo, el montaje y la claridad a la hora de exponer las persecuciones que animan una historia que sigue a una timorata escritora de noveluchas de amor y aventuras que, incapaz siquiera de “subir las escaleras mecánicas de Bloomingdale’s”, tendrá que atender a las suplicas de su hermana, envuelta en un turbio asunto en Colombia, y viajar al país sudamericano portando un misterioso mapa para, entregándolo a sus captores, evitar que la maten.

Con este arranque de mediana originalidad, el guión de Diane Thomas nos presenta, una vez Joanie está en Colombia, al héroe de la función, un Michael Douglas sarcástico y derrochador de chulería al que, no obstante le falta algo de carisma para poder ganarse al público como lo hacía aquél al que sin duda pretende emular. Toda vez ambos personajes están juntos, la trama comienza a aquejar una falta cada vez más acuciante de garra que ni los actores, ni lo forzado del humor —atención a la aparición de Alfonso Arau— ni ese villano tan acartonado que encarna Manuel Ojedo son capaces de arreglar, y al final el filme se queda en un correcto intento de hacerse eco de las aventuras de Henry Jones Jr. sin llegar, no cabe duda, a la altura de lo logrado por Spielberg.

Respaldado por sus 76 millones de recaudación y por una nominación al Oscar al Mejor Montaje, Zemeckis encontraba con ‘Tras el corazón verde’ el impulso que le faltaba para convencer a la Universal de que esa historia de coches que viajan en el tiempo, hijos que conocen a sus padres cuando eran jóvenes y paradojas capaces de destruir el universo era algo más que un sueño fuera de su alcance…

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